Kategorie: Archiv

Ausgerechnet einer der größten Tabakkonzerne der Welt wirbt heute mit dem Slogan »It’s time to make smoking history« für eine »smoke free future«. »Make Smoking History« ist auch der Titel einer Kampagne des Cancer Council Western Australia, die seit 2000 versucht, über die gesundheitlichen Folgen des Rauchens aufzuklären und Hilfe zum Aufhören anbietet.
Die Tabakindustrie hat sich von ihren Versprechen von unbeschwerter Freiheit, Abenteuer und Unabhängigkeit abgewandt und präsentiert sich heute in ganz anderer Gestalt. Wissenschaftliche Studien, Erklärvideos und Flagship-Stores werden Teil einer Ästhetik, die von einer scheinbar glatten und makellosen Oberfläche gekennzeichnet ist. Die Industrie reagiert auf Restriktionen, passt Marketingstrategien an und nimmt durch Lobbyarbeit Einfluss auf politische Entscheidungsprozesse.
In seinem künstlerischen Projekt »Doubt is our product« nimmt Oliver Heise diese Entwicklungen zum Anlass für eine fotografische Auseinandersetzung mit den visuellen Strategien und der Warenästhetik gegenwärtiger Tabakprodukte. »Doubt is our product« ist ein Versuch, das Wechselspiel zwischen politischer Regulierung, Lobbyarbeit und neuen Marketingstrategien kritisch in den Blick zu nehmen. Im Gespräch mit Steffen Siegel gibt Oliver Heise Einblick in seine Recherchen zur Tabakindustrie unserer Gegenwart und seine Strategien, sich mit ihr künstlerisch auseinanderzusetzen.

Oliver Heise (*1999, Wuppertal) studiert im Masterstudiengang Photography Studies and Practice an der Folkwang Universität in Essen. Für seine fotografische Arbeit erhielt er 2022 den Folkwang Preis. 2023 wurde ein Auszug seiner Bachelorarbeit in der „Zeitschrift für Medienwissenschaft“ veröffentlicht.

Steffen Siegel ist Professor für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste und leitet hier den Masterstudiengang Photography Studies and Research. Seit 2024 ist Vorsitzender des Vorstands des Zentrums für Fotografie Essen.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Wie begann die Tabakmanie in Europa? Warum war man im 17. Jahrhundert darauf versessen, stilvoll Rauchkringel zu produzieren? Warum verlor das Rauchen im 18. Jahrhundert seine Bedeutung und wie wurde es zum Kennzeichen für revolutionäre und emanzipierte Frauen im 19. Jahrhundert? Wie wurde so etwas Kleines wie eine Zigarette zu einem Symbol des 20. Jahrhunderts? Und schließlich: Was ist vom Rauchen in der Gegenwart noch übrig?

In ihrer Kulturgeschichte des Rauchens erzählt Melanie Aufenvenne von den Zeiten, in denen der blaue Dunst die Welt verführte und eroberte, Zeiten, in denen Rauchende ihre Sucht genussvoll zelebrieren konnten. Sie lässt die Verehrer des Nikotins wie auch seine Gegner zu Wort kommen, ohne dabei die gängigen Klischees zu bedienen und zeigt, wie das Rauchen unsere Alltagswelt geprägt hat.

Melanie Aufenvenne, geb. 1975, hat Geschichte, Philosophie und Gender Studies in Berlin und Paris studiert. Sie lebt als freie Historikerin in Berlin.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Zwischen 1954 und 1963 fertigte Alfred Ehrhardt im Auftrag des Tabakkonzerns Reemtsma zahlreiche filmische und fotografische Arbeiten an. Diese bisher kaum ausgestellten Dokumente bilden das Fundament für die Arbeit Photography’s Claim to Property. Bilder im Auftrag Reemtsmas der Künstlerin Ramona Schacht. Sie setzt sich intensiv mit den dargestellten Arbeitswelten auseinander und hinterfragt, welche politischen, ökonomischen sowie körperlichen Ordnungen in diesen Bildern sichtbar werden, und welche sich erst bei genauerem Hinsehen zeigen.

Für ihre Arbeit führte Schacht umfangreiche Recherchen in Archiven zur Tabakproduktion der 1920er bis 1950er Jahre durch. Dabei interessiert sie sich nicht nur für einzelne Fotografien, sondern auch dafür, was sich zwischen ihnen wiederholt: Haltungen, Gesten oder Formen der Darstellung. Erst in dieser Gegenüberstellung treten Muster und Unterschiede hervor, die sich aus einem einzelnen Bild kaum ablesen lassen.

In der Führung sprechen Ramona Schacht und Stefanie Regina Dietzel über diesen Rechercheprozess und darüber, was geschieht, wenn historische Bilder nicht nur als Dokumente gelesen, sondern kritisch betrachtet und neu zueinander in Beziehung gesetzt werden. Ein besonderer Fokus liegt auf der Darstellung weiblicher Arbeit und auf jenen Körpern und Tätigkeiten, die in den Bildern zwar präsent sind, aber nicht im Mittelpunkt stehen. Wir wollen genauer hinsehen auf scheinbar beiläufige Gesten, auf Blickrichtungen, Hierarchien und Wiederholungen – und auf die Frage, was Fotografien über ihre Entstehungszeit hinaus noch sichtbar machen können.

Ramona Schacht (*1989) studierte Fotografie an der Hochschule für Bildende Künste Leipzig bei Prof. Heidi Specker. Ihre Arbeiten wurden unter anderem im Museum Folkwang Essen, dem MINSK Kunsthaus in Potsdam und dem Museum für Photographie Braunschweig ausgestellt. Sie erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen, darunter das Stipendium der Stiftung Kunstfonds und den Preis der Wüstenrot Stiftung für Dokumentarfotografie. Seit 2025 lehrt Schacht an der Hochschule Merseburg. Sie ist Mitglied der Künstlergruppe „Zentrum für optimistische Bergbauforschung“ in Leipzig.

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Ausgehend von den Orten, an denen der Sand gesammelt wurde, nimmt der Mikrofotograf Matthias Burba Sie mit auf die Wege, auf denen aus Landschaften Proben, aus Proben Bilder und aus Bildern Erkenntnis wurde.
Unter dem Polarisationsmikroskop verliert Sand seine scheinbare Gleichförmigkeit und zeigt sich als Gefüge aus Farben, Brüchen, Transparenzen, Einschlüssen und feinen Ordnungen. Die Ausstellung versteht diese Beobachtungen zugleich als wissenschaftlich geprägte Untersuchung und als künstlerische Erfahrung: Analyse und Anschauung, Präzision und Imagination bedingen und vertiefen einander wechselseitig. 
Matthias Burbas mikroskopische Bilder von Sandkörnern verdeutlichen, dass Farbe niemals für sich alleinsteht, sondern immer in Beziehung zu Licht, Kontrast, Umgebung, Maßstab und Anordnung wahrgenommen wird. Was wir sehen, ist das Resultat eines feinen Zusammenspiels von optischen Bedingungen, physiologischer Verarbeitung und bildnerischer Setzung.
Ein Polarisationsmikroskop vergrößert nicht nur, sondern verwandelt die Erscheinung der Dinge: Was im gewöhnlichen Licht unscheinbar bleibt, kann als fein gegliedertes Gefüge aus Helligkeit, Struktur und Farbe hervortreten; das Licht kann seine Polarisation ändern und als Interferenz-farbe oder Strukturphänomen in Erscheinung treten.
Gerade für die Untersuchung von Sand ist dies von Bedeutung, weil sich mineralische Eigenheiten, innere Ordnungen und Unterschiede der Materialien in einer eigenen Bildsprache zeigen. Die Addition der Eigenschaften einzelner Körner zu „Sand“, entstanden aus Herkunft, Bewegung und Form, hat Folgen für die Nutzungsmöglichkeit als Rohstoff, Infrastruktur, Technik und globale Verflechtungen. Sand gehört zu den meistgenutzten Ressourcen der Erde und ist Grundlage für Bauvorhaben und die Herstellung von Beton, Glas, Mikrochips, Smartphones und Solarzellen. Gerade durch die Vielfalt von Verwendungen wie auch die verbrauchten Mengen wird erkennbar, dass dieses unscheinbare Material nicht unbegrenzt verfügbar ist und dass sein Abbau schon heute vielerorts erhebliche ökologische Schäden verursacht.

Matthias Burba (*1954), Mikroskopiker seit über 60 Jahren, studierte Jura und Biologie, berufliche Tätigkeit zwischen Recht und Wissenschaft, Forensik.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Sand ist überall. Zwischen den Zehen, in der Sanduhr, im Mörtel, auf Spielplätzen – und doch nehmen wir ihn meist erst wahr, wenn er im Getriebe knirscht. Er zeugt vom ständigen Wandel der Erde, ist Lebensraum für unzählige Organismen und einer der wichtigsten Rohstoffe unserer Zeit. Damit prägt Sand nicht nur Landschaften, sondern auch unseren Alltag – oft, ohne dass wir es bemerken.
In seinem Vortrag stellt Kurator Moritz Ohlig die Ausstellung „Sand – Ressource, Leben, Sehnsucht“ im Museum Sinclair-Haus vor. Anhand ausgewählter Kunstwerke und spannender Beispiele zeigt er, wie vielfältig Sand ist: Baustoff und Naturphänomen, Sehnsuchtsort und knapp werdende Ressource zugleich. Der Vortrag eröffnet überraschende Perspektiven auf einen Stoff, den wir oft für selbstverständlich halten – und dessen Bedeutung sich erst auf den zweiten Blick erschließt.
Freuen Sie sich auf einen ebenso anschaulichen Abend über das vielleicht unterschätzteste Material der Welt.

Moritz Ohlig (*1989) arbeitete nach dem Studium der Klassischen Archäologie an der Universität Heidelberg sowie des Ausstellungsdesigns an der FH Joanneum in Graz, zunächst in der Ausstellungsgestaltung. Seit 2021 arbeitet er für die Stiftung Kunst und Natur, wo er seit 2023 als Kurator am Museum Sinclair-Haus in Bad Homburg tätig ist. Sein Studium und seine Erfahrung aus der Szenografie prägt seine kuratorische Arbeit bis heute: Inhalte und räumliche Gestaltung werden in der Entwicklung neuer Ausstellungen von Beginn an gemeinsam gedacht.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Sand erscheint auf den ersten Blick als unscheinbares Material. Seine Allgegenwärtigkeit macht ihn im Alltag oft unsichtbar: kilometerweit am Strand, scheinbar endlos in Wüstenlandschaften oder still eingebettet in den Beton unserer Städte. Doch diese vermeintliche Selbstverständlichkeit verdeckt die zentrale Bedeutung von Sand als politischem und ökologischem Akteur. Er bildet eine wesentliche Grundlage der materiellen und symbolischen Infrastrukturen der Moderne. Ob in der Bauindustrie, in digitalen Technologien, bei territorialen Konflikten oder im Kontext ökologischer Transformationen, Sand ist essenziell und zugleich umkämpft. Ausgehend von umfangreicher Feldforschung zur materiellen Politik der Landgewinnung in Südostasien und den Niederlanden betrachtet dieser Vortrag Sand als ein granulares Medium, durch und mit dem sich geopolitische, ökonomische und soziale Prozesse in ihrer Verschränkung analysieren lassen. Das Denken mit und durch Sand dient dabei als methodischer und konzeptioneller Zugang, um Fragen der Materialität mit aktuellen Debatten über Ressourcenpolitik, Umweltveränderungen und planetare Urbanisierung zu verbinden. Auf diese Weise rückt Sand nicht nur als Rohstoff in den Blick, sondern als Medium, durch das Territorien geformt, Zukunftsentwürfe materialisiert und gesellschaftliche Ordnungen hervorgebracht, stabilisiert und verändert werden.

Dr. Michaela Büsse ist interdisziplinäre Forscherin und wissenschaftliche Mitarbeiterin an der TU Dresden. Ihre Arbeit untersucht neue materielle und territoriale Konfigurationen im Kontext der planetaren Urbanisierung und der Klimakrise. Ausgehend von visueller Ethnografie und feldbasierter Forschung untersucht sie, wie Zukunftsvorstellungen durch materielle, ökologische und technologische Interventionen hervorgebracht und zugleich destabilisiert werden. Ihre Arbeiten wurden international in wissenschaftlichen und künstlerischen Kontexten präsentiert. Sie ist Herausgeberin von Granular Configurations: Sand, Materiality, and Planetary Urbanization (K. Verlag, Berlin 2025).

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Ausgehend von den Orten, an denen der Sand gesammelt wurde, nimmt der Mikrofotograf Matthias Burba Sie mit auf die Wege, auf denen aus Landschaften Proben, aus Proben Bilder und aus Bildern Erkenntnis wurde.
Unter dem Polarisationsmikroskop verliert Sand seine scheinbare Gleichförmigkeit und zeigt sich als Gefüge aus Farben, Brüchen, Transparenzen, Einschlüssen und feinen Ordnungen. Die Ausstellung versteht diese Beobachtungen zugleich als wissenschaftlich geprägte Untersuchung und als künstlerische Erfahrung: Analyse und Anschauung, Präzision und Imagination bedingen und vertiefen einander wechselseitig. 
Matthias Burbas mikroskopische Bilder von Sandkörnern verdeutlichen, dass Farbe niemals für sich alleinsteht, sondern immer in Beziehung zu Licht, Kontrast, Umgebung, Maßstab und Anordnung wahrgenommen wird. Was wir sehen, ist das Resultat eines feinen Zusammenspiels von optischen Bedingungen, physiologischer Verarbeitung und bildnerischer Setzung.
Ein Polarisationsmikroskop vergrößert nicht nur, sondern verwandelt die Erscheinung der Dinge: Was im gewöhnlichen Licht unscheinbar bleibt, kann als fein gegliedertes Gefüge aus Helligkeit, Struktur und Farbe hervortreten; das Licht kann seine Polarisation ändern und als Interferenz-farbe oder Strukturphänomen in Erscheinung treten.
Gerade für die Untersuchung von Sand ist dies von Bedeutung, weil sich mineralische Eigenheiten, innere Ordnungen und Unterschiede der Materialien in einer eigenen Bildsprache zeigen. Die Addition der Eigenschaften einzelner Körner zu „Sand“, entstanden aus Herkunft, Bewegung und Form, hat Folgen für die Nutzungsmöglichkeit als Rohstoff, Infrastruktur, Technik und globale Verflechtungen. Sand gehört zu den meistgenutzten Ressourcen der Erde und ist Grundlage für Bauvorhaben und die Herstellung von Beton, Glas, Mikrochips, Smartphones und Solarzellen. Gerade durch die Vielfalt von Verwendungen wie auch die verbrauchten Mengen wird erkennbar, dass dieses unscheinbare Material nicht unbegrenzt verfügbar ist und dass sein Abbau schon heute vielerorts erhebliche ökologische Schäden verursacht.

Matthias Burba (*1954), Mikroskopiker seit über 60 Jahren, studierte Jura und Biologie, berufliche Tätigkeit zwischen Recht und Wissenschaft, Forensik.

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Der deutsch-australische Fotograf Joachim Froese beschäftigt sich mit Natur und Landschaft nicht im Sinne einer klassischen, romantischen Fotografie, sondern als konzeptuelles und materielles Arbeitsfeld. Er bezieht sich dabei unter anderem auf den baltischen Biologen und Philosophen Jakob von Uexküll, der Anfang des 20. Jahrhunderts Natur als Geflecht unterschiedlicher Wahrnehmungswelten verschiedener Lebewesen definiert. Ausgehend davon begreift Froese Natur nicht als Gegenüber des Menschen, sondern als komplexes Beziehungsnetz, in das der Mensch eingebunden ist. Diesen theoretischen Ausgangspunkt verbindet er in seinen praktischen Arbeiten mit einem überraschend technisch fundierten Ansatz. Das fotografische Handwerk selbst wird zum Konzept, indem Froese digitale Auf-nahmeverfahren mit historischen Drucktechniken kombiniert. Eine besondere Rolle spielt dabei der Salzdruck, eines der frühesten Positivverfahren, das in den 1830er-Jahren von William Henry Fox Talbot entwickelt wurde. Froese experimentiert mit dieser ‘Ur-Technik’ und setzt Gegenwart und Vergangenheit der Fotografie in ein Spannungsverhältnis von Fortsetzung und Flüchtigkeit. Natur erscheint so weniger als festes Motiv, sondern vielmehr als Prozess, der seine eigene Vergänglichkeit in sich trägt. Im Rahmen seines Vortrags wird der Künstler einige seiner fixierten als auch nicht fixierten originalen Salzpapierabzüge, aber auch Papiernegative, Cyanotypien und Silbergelatineabzüge vorstellen, auf deren technische Grundlagen eingehen und Einblicke in seine spezifischen Verfahren geben.

Joachim Froese (*1963, Montreal, Kanada) wuchs in Deutschland auf und wanderte 1991 nach Australien aus. Heute arbeitet er überwiegend in Brisbane, und in regelmäßigen Abständen in Berlin. Seine Karriere verbindet Praxis, Theorie und Lehre. Als freier Dozent unterrichtet er seit 25 Jahren Fotografie an Kunsthochschulen in Australien sowie als Gastdozent mehrfach an Universitäten in Deutschland. 2017 promovierte er an der RMIT-University in Melbourne, seit 2020 ist er Honorary Lecturer an der School of Communication and Arts, University of Queensland in Brisbane.

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Ausgehend von den Orten, an denen der Sand gesammelt wurde, nimmt der Mikrofotograf Matthias Burba Sie mit auf die Wege, auf denen aus Landschaften Proben, aus Proben Bilder und aus Bildern Erkenntnis wurde.
Unter dem Polarisationsmikroskop verliert Sand seine scheinbare Gleichförmigkeit und zeigt sich als Gefüge aus Farben, Brüchen, Transparenzen, Einschlüssen und feinen Ordnungen. Die Ausstellung versteht diese Beobachtungen zugleich als wissenschaftlich geprägte Untersuchung und als künstlerische Erfahrung: Analyse und Anschauung, Präzision und Imagination bedingen und vertiefen einander wechselseitig. 
Matthias Burbas mikroskopische Bilder von Sandkörnern verdeutlichen, dass Farbe niemals für sich alleinsteht, sondern immer in Beziehung zu Licht, Kontrast, Umgebung, Maßstab und Anordnung wahrgenommen wird. Was wir sehen, ist das Resultat eines feinen Zusammenspiels von optischen Bedingungen, physiologischer Verarbeitung und bildnerischer Setzung.
Ein Polarisationsmikroskop vergrößert nicht nur, sondern verwandelt die Erscheinung der Dinge: Was im gewöhnlichen Licht unscheinbar bleibt, kann als fein gegliedertes Gefüge aus Helligkeit, Struktur und Farbe hervortreten; das Licht kann seine Polarisation ändern und als Interferenz-farbe oder Strukturphänomen in Erscheinung treten.
Gerade für die Untersuchung von Sand ist dies von Bedeutung, weil sich mineralische Eigenheiten, innere Ordnungen und Unterschiede der Materialien in einer eigenen Bildsprache zeigen. Die Addition der Eigenschaften einzelner Körner zu „Sand“, entstanden aus Herkunft, Bewegung und Form, hat Folgen für die Nutzungsmöglichkeit als Rohstoff, Infrastruktur, Technik und globale Verflechtungen. Sand gehört zu den meistgenutzten Ressourcen der Erde und ist Grundlage für Bauvorhaben und die Herstellung von Beton, Glas, Mikrochips, Smartphones und Solarzellen. Gerade durch die Vielfalt von Verwendungen wie auch die verbrauchten Mengen wird erkennbar, dass dieses unscheinbare Material nicht unbegrenzt verfügbar ist und dass sein Abbau schon heute vielerorts erhebliche ökologische Schäden verursacht.

Matthias Burba (*1954), Mikroskopiker seit über 60 Jahren, studierte Jura und Biologie, berufliche Tätigkeit zwischen Recht und Wissenschaft, Forensik.

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Die Führung geht der Frage nach dem Archiv des Künstlers nach, in einem „Dialog“ mit dem Archiv. Die Alfred Ehrhardt Stiftung bewahrt vermutlich den am besten dokumentierten Nachlass eines deutschen Kulturfilmers der Nachkriegszeit. Er besteht aus Fotos, Produktionsdokumenten, Filmplakaten, Rezensionen, Preisen und Filmen, die in den letzten Jahren allesamt digitalisiert worden sind und der Forschung zur Verfügung stehen. Ein subjektiver Rundgang durch die Ausstellung wird Linien im Filmwerk Ehrhardts herausarbeiten wie auch das Verhältnis von Fotografie & Film bei Ehrhardt erörtern.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Die Führung geht der Frage nach, welche Bezüge zum Bauhaus sich in Alfred Ehrhardts Filmen finden lassen. Obwohl er nur den kurzen Zeitraum von Oktober 1928 bis März 1929 zur Fortbildung am Bauhaus studierte, ist seine Prägung durch die Schule immens. Das Ausbildungsziel des „optischen Gestalters“ (Moholy-Nagy) findet sich seiner Doppelexistenz als Filmemacher & Fotograf und die Orientierung an „optischen Wundern“ (Schlemmer) in seinen primär als Bildkunst gestalteten Filmen wieder. Durch sein vehementes Interesse an Rhythmusfragen (Musik), dem asketischen Reduktionismus und der Lebensreformbewegung fallen die Prinzipien des Bauhauses auf fruchtbaren Boden. In Bauhaus-Tradition macht er Lebensprozesse medial sichtbar, mit genuin filmischen Mitteln wie Zeitraffer, Zeitlupe, Makrofotografie usw., beschäftigt sich mit Abstraktion, Urform, Oberflächenstruktur, Materialverhalten, Ornament, Rhythmus, Polyphonie und Serialität.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Anfang des 20. Jahrhunderts konnte sich der Faschismus in Mitteleuropa als eine politische Alternative zum Sozialismus sowie zum bürgerlichen Parlamentarismus etablieren und in kürzester Zeit die Regierungen in den meisten europäischen Ländern übernehmen. Auch in Portugal wurde 1926 die Erste Republik durch das Militär gestürzt und ein autoritäres Regime etabliert, das seine Macht größtenteils unter der Führung des Diktators António Salazar bis 1974 halten konnte. Zur Vermittlung des auf eine Person fokussierten Machtanspruchs bemühten die europäischen Diktaturen ein breites Spektrum an politischen Kommunikationsmitteln. Neben der Presse, dem Radio und dem Film bot die Stadt eine ideale Bühne, um ein neues Geschichtsbild zu entwerfen, das den Führungsanspruch eines Diktators historisch legitimierte. In Berlin, Rom, Madrid, aber ganz besonders auch in Lissabon wurde ein Stadtumbau mit Spitzhacke und Rekonstruktion betrieben, um ein neues Zeugnis der Geschichte nach dem eigenen Geschichtsverständnisses zu schaffen. Bis heute lebt dieses Geschichtsbild fort. Kein Reiseführer, keine Gedenktafel verweist auf die größten Kunstfälschungen des 20. Jahrhunderts hin. So verbreiten wir weiter munter das verzerrte Geschichtsbild des dunkelsten Kapitels der europäischen Geschichte mit Selfies, Postkarten und Reiseberichten.

Mit dem Film Portugal, unbekanntes Land am Meer schuf Alfred Ehrhardt 1952 eine pointierte Zusammenfassung der geschichtsverfälschenden Selbstdarstellung der portugiesischen Diktatur, die es sich lohnt, näher zu betrachten.

Dr. Christian von Oppen (1971, Hannover), Architekt und Stadtforscher, ausgebildet in Karlsruhe, Berlin und New York, ist Leiter der Stabsstelle Architektur, Stadtgestaltung und Planung der Senatsverwaltung für Stadtentwicklung, Bauen und Wohnen Berlin. Während seiner Tätigkeit als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Zentrum für Metropolenforschung (Technische Universität Berlin) und Mitglied des Bauhaus-Instituts für Geschichte und Theorie der Architektur und Planung in Weimar hat er seine Dissertation »Städtebau unter Salazar. Diktatorische Modernisierung der beiden Großstädte Lissabon und Porto« geschrieben. Die Arbeit baut auf seine langjährige Forschung zum städtebaulichen Erbe der portugiesischen Diktatur auf, die er als wissenschaftlicher Mitarbeiter und Dozent an der Bauhaus-Universität Weimar begonnen hatte. Seine wissenschaftlichen Aktivitäten reichen von der jüngeren Stadtgeschichte bis zum zeitgenössischen Städtebau.

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Nach zwei Jahren Recherche für Buch und Ausstellung stellt der Filmwissenschaftler Thomas Tode neue Erkenntnisse vor. Er beschäftigt sich mit Fragen wie den folgenden: Warum ist der als Zwilling des Fotobuchs Das Watt (1937) entstandene, jüngst wiederentdeckte Erstlingsfilm Urkräfte am Werk (D 1937/39) im Bild der asketischen Strenge und minimalistischen Radikalität der Avantgarde verpflichtet, folgt in der Vertonung aber konventionellen Wegen? Warum nähert sich der 1933 aus der Landeskunsthochschule Hamburg entlassene Ehrhardt 1937 wieder den Nationalsozialisten an? Wie springt die NS-Administration im Krieg mit freischaffenden Filmemachern um, zwischen Zuckerbrot und Peitsche? Und wie gelingt es ihm, weiterhin „unabkömmlich gestellt“ zu bleiben? Wie zieht er sich selbst in gelungener Selbstumorientierung aus dem Sumpf der NS-Ideologie, indem er sich auf seine Bauhaus-Tradition besinnt? Welche Schwierigkeiten stellen sich in den 1950er den Filmen über abstrakte Kunst (der documenta II) entgegen? Was sagt Ehrhardts Faible für Inseln über ihn aus, mit seinen Filmen über Neuwerk, Island, Grönland, Madeira?

Thomas Tode, Publizist, Filmwissenschaftler und Kurator. Autor von 10 Filmbüchern, u.a. bauhaus & film (2012), Alfred Ehrhardt – Film (April 2026), DVDs + Booklets der „Edition Bauhaus“ und Tagungen zu ‚Bauhaus und Film‘ (Weimar 2009, Hamburg 2018, Weimar 2019). Kurator für Filmausstellungen: »Bauhaus in Aktion« (Bauhaus Stiftung Dessau 2009; São Paulo 2013; Santiago de Chile 2014); „bauhaus.film-expanded“ (ZKM Karlsruhe 2020); „Nitro, Silber, Licht“ (Stiftung Bauhaus Dessau 2025). Kurator von Bauhaus-Filmreihen: u.a. für Martin-Gropius-Bau Berlin 2009: Barbican Art Gallery London 2012, Les Arts Décoratifs Paris 2016/17; Getty Center Los Angeles 2019, Goethe-Institut 2018/2019, Bauhaus-Archiv Berlin / Berlinische Galerie 2019/20, Stiftung Bauhaus Dessau 2025.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Filmvorführung im Rathaus Triptis, Markt 1, 07819 Triptis

Mit Filmen von Alfred Ehrhardt Urkräfte am Werk (D, s/w, 1941, 15 min) und Inselfahrt. Im Gebiet der Ebbe und Flut zwischen Elbe- und Wesermündung (D, s/w, 1950, 16 min), dem Film Saisonale Gäste (D, F, 2018, 14 min) von Doro Carl, begleitet von einer Einführung von Dr. Christiane Stahl, Direktorin Alfred Ehrhardt Stiftung Berlin.

Nachdem der Triptiser Alfred Ehrhardt (1901-1984) seine Ausbildung zum Organisten und Kantor am Seminar Weißenfels abgeschlossen hatte, zog es ihn in den frühen 1920er Jahren nach Hamburg, wo er Kunst studierte und als Gesangslehrer arbeitete. 1924 wurde er Lehrer für Musik und Kunst an einem reformpädagogischen Landschulheim in Bad Gandersheim am Harz. Im Wintersemester 1928/29 besuchte er den sogenannten „Vorkurs“ am Bauhaus Dessau, wo er auch bei Paul Klee, Wassily Kandinsky und Oskar Schlemmer studierte. Danach übertrug er das Gelernte auf seinen Kunstunterricht, weshalb er 1930 als Dozent an die Landeskunstschule Hamburg berufen wurde. Seiner Wahlheimat Hamburg blieb er bis an sein Lebensende treu.

1933, wegen seiner modernen Kunstausrichtung von den Nazis entlassen, nahm er eine Stelle als Kirchenmusiker in Cuxhaven an, das damals zu Hamburg gehörte. Dort im vorgelagerten Watt entdeckte er, dass er die abstrakten Strukturen im Sand fotografieren konnte, ohne mit der NS-Ideologie zu kollidieren. So entstand 1937 sein erstes Buch Das Watt, das heute zu den Inkunabeln der Fotografie der Neuen Sachlichkeit wurde. Im gleichen Jahr begann er im Wattenmeer auch zu filmen. 

Ehrhardt hat sich zeit seines Lebens vorwiegend der Norddeutschen Küste zugewandt und der Ostsee keine Beachtung geschenkt. Denn sein Lebensmittelpunkt war das Haus seines Schwiegervaters auf der Insel Neuwerk, die von Cuxhaven aus bei Flut mit dem Schiff oder bei Ebbe zu Fuß und mit der Pferdekutsche erreicht werden kann. 

Ehrhardts Fotografien im Buch Das Watt zeigen zum großen Teil streng komponierte, abstrakte Sandriffelbildungen und menschenleere Priellandschaften von erhabener Schönheit. Kaum bekannt und wenig veröffentlicht hingegen sind seine Fotografien der Norddeutschen Küste, die nicht in sein Buch eingegangen sind. Er fotografierte auch Schiffe, Menschen, Tiere, bepflanzte Dünen, Steinbuhnen, Fischernetze, Reethäuser, den Leuchtturm und die Baken von Neuwerk, das Postboot auf die Hallig Langeness oder an der Elbmündung gelegene Dörfer wie Otterndorf und Wilstermarsch. In diesen Aufnahmen vermittelt sich ein lebendiger Eindruck vom Leben vor über 80 Jahren an und mit dem Wattenmeer, das heute zum UNESCO Weltnaturerbe zählt. Auch hier zeigt sich Ehrhardts großes kompositorisches Vermögen und seine stilistische Könnerschaft, weshalb er in der Nachkriegszeit nicht von ungefähr zahlreiche Preise vor allem für die „meisterhafte Fotografie“ seiner Filme erhielt.

Alfred Ehrhardts erster Film Urkräfte am Werk steht wie sein Buch Das Watt mit seiner abstrakten Bild- und Lichtregie stilistisch der Bauhaus-Avantgarde nahe. Seine Motive bestehen fast nur aus Sandstrukturen, Prielen, Wasser bei Ebbe und Flut und einem weiten Himmel, womit er auf die mediale Sichtbarmachung von Lebensprozessen abzielt. Anders zeigt sein Film Inselfahrt. Im Gebiet der Ebbe und Flut zwischen Elbe- und Wesermündung, wenige Jahre nach Beendigung des Krieges erschienen, viele Facetten des beschaulichen Lebens auf der Insel Neuwerk, einbegriffen dem der Touristen, die täglich mit dem Wattwagen übersetzen. Und letztlich zeigt der Farbfilm von Doro Carl, dass das Leben im Watt sehr viel reichhaltiger und vielfältiger ist, als wir das annähernd vermuten – nicht nur wegen der Millionen von Zugvögeln, die als Saisonale Gäste im Wattenmeer Pause einlegen auf dem langen Weg zu ihren Winterquartieren im Süden.

Sowohl die Fotografien der Ausstellung als auch die gezeigten Filme zeugen mit eindringlichen Bildern von jenem Leben, das an der Norddeutschen Küste nicht im Verborgenen bleibt, wenn man sich Zeit lässt und genau hinschaut.

Eintritt frei.

Als ausgebildetem Musiker war es Alfred Ehrhardt bewusst, dass zur Wirkung eines Films die Filmmusik wesentlich beitragen kann. Als besonders ergiebig, um die Rolle der Musik in Ehrhardts Filmen zu betrachten, erweisen sich die im Abstand von zwei Jahrzehnten entstandenen Dokumentationen über Island, deren musikalische Untermalungen gegen-sätzlicher kaum sein können: Wurde für den 1941 von der Tobis produzierten Film Nordische Urwelt mit Georg Vollerthun (1876–1945) ein namhafter Opernkomponist spätromantischer Stilrichtung herangezogen, der aus Teilen seiner 1925 uraufgeführten Oper Island-Saga eine opulente, symphonische Begleitung zusammenstellte, fiel Ehrhardts Wahl 1962 für Gletscher und ihre Ströme und Vulkanisches Antlitz auf Oskar Sala (1910–2002), einen Pionier der elektronischen Musik und ausgesprochenen Filmmusik-Spezialisten, der für seine Vertonungen auf das von ihm entwickelte Mixturtrautonium zurückgriff.

Die Gegenüberstellung so unterschiedlicher Begleitmusiken zu Werken, die der gleiche Dokumentarfilmer zum gleichen Thema schuf, erlaubt nicht nur einen interessanten Einblick in die Geschichte deutscher Filmmusik vor und nach 1945, sondern wirft auch ein Licht auf Alfred Ehrhardts Auffassung von der Rolle der Musik im Rahmen eines filmischen Gesamtkunstwerks.

Florian Schuck studierte Musikwissenschaft und Germanistik an der Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar und der Friedrich-Schiller-Universität Jena. Er lebt als freier Forscher und Autor in Weimar. Seit 2020 ist er Redakteur des Internet-Musikblogs The New Listener. 2022 wurde er zum 1. Vorsitzenden der Internationalen Draeseke-Gesellschaft gewählt. Er veröffentlichte zahlreiche Beiträge in musikwissen-schaftlichen Publikationen und war an mehreren Editionsprojekten beteiligt. 

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Arno Schidlowskis analoge Arbeiten entstehen aus einer tiefen, kontemplativen Auseinandersetzung mit Natur und Licht. In den beiden Werkserien begegnen sich äußerer Landschaftsraum und inneres Bild, Beobachtung und Erinnerung, Gegenwart und romantische Tradition. In JASMUND (2005–2011) führt Schidlowski auf die Insel Rügen – an jene Kreideküsten, die durch Caspar David Friedrich zu Ikonen geworden sind. Doch statt vertraute Sehgewohnheiten zu bestätigen, sucht er nach „adäquaten Bildern“ eines Ortes, der zwischen kulturellem Gedächtnis und persönlicher Erfahrung oszilliert. Seine Fotografien entfalten in stillen, rhythmischen Sequenzen eine poetische Bildsprache, die den Mythos der Romantik zugleich berührt und hinterfragt. Mit seiner Serie DER SONNE MOND (2011–2013) unternimmt der Künstler eine innere Reise in eine nicht eindeutig verortbare Landschaft des Südens. In zarten Schwarz-Weiß-Tönen eröffnet sich eine Welt zwischen Traum und Erinnerung, in der sich Vertrautheit und Fremdheit berühren.

In der Führung wird der Frage nachgegangen, in welcher Weise der Künstler seine Bildstrategien entwickelt, welche Bedeutung der Natur zukommt, wie sich das Erleben vor Ort gestaltet, welchen Faktor die Zeit spielt, warum es sich bei seinen Aufnahmen um analog fotografierte Handabzüge handelt, und vieles mehr.

Arno Schidlowski (*1975, Münster) lebt in der Nähe von Hamburg. Nach einem Diplom 2006 in Visueller Kommunikation an der FH Dortmund absolvierte er 2013 ein Masterstudium bei Prof. Ute Mahler an der HAW Hamburg. Seitdem wird er von Jo van de Loo, München, vertreten, mit Einzelausstellungen, Sammlungsankäufen und Messebeteiligungen in Berlin, Amsterdam, Paris, London und Wien.

Eintritt frei. Eine Voranmeldung ist erforderlich unter: info@aestiftung.de

Mit Blick auf die Ausstellung von Arno Schidlowski in der Alfred Ehrhardt Stiftung legen Ute Mahler und Arno Schidlowski ihr persönliches Verhältnis zur Landschaftsfotografie dar: Als eigentümliche Verschränkung und Verdichtung von Raum und Zeit, als poetischen Ausdruck und als Zuspitzung der stillen und in sich ruhenden Ausdrucksform des Fotografischen. Dabei geht es letztendlich auch um Dinge, die sich der Sprache entziehen.

Prof. Ute Mahler (*1949) gehört mit ihrem fotografischen Werk, als Lehrende sowie Mitgründerin der renommierten Fotografenagentur Ostkreuz und der Ostkreuzschule Berlin zu den bedeutenden Persönlichkeiten der deutschen Fotografie.

Arno Schidlowski (*1975) zeigt in der Alfred Ehrhardt Stiftung mit JASMUND und DER SONNE MOND zwei Werkgruppen, die stellvertretend sind für seine über 25 jährige Auseinandersetzung mit Natur und Licht. Seine analog und von Hand gefertigten Serien entstehen in langen Arbeitsprozessen als kontinuierliche Befragung der Landschaften und ihrer Abbilder. JASMUND widmet sich einem kulturell geprägten und vielfach gesehenen Ort, während DER SONNE MOND eine innere, nicht eindeutig verortbare Szenerie entstehen lässt. Beide Serien verbinden Aspekte der Rhythmik und der Wiederkehr – teils als Ausdruck von Naturzyklen, teils als Mittel zur Vergegenwärtigung, in dem Variationen und Sequenzen die Konzentration steigern und die Vielschichtigkeit des Gesehenen ausloten. Schidlowskis Arbeiten wurden mehrfach ausgezeichnet und international präsentiert, unter anderem in der der renommierten Photographer’s Gallery (Print Sales) in London als Einzelausstellung „Arno Schidlowski – Inner Skies“.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de