Kategorie: Archiv

Ehrhardts Kultur- und Dokumentarfilme stehen in der Tradition der Naturbeobachtung des Bauhauses. Wie abstrakte Gemälde zeigt er die von farbigen Wuchsmerkmalen gezeichneten Strukturen sich drehender Schneckengehäuse und Muscheln. Dem Bauhaus ging es um medial sichtbar gemachte Lebensprozesse! Diese enthüllt nur die Film- und Fotokamera. Spiel der Spiralen (D 1951, 15’) verherrlicht die gewundenen Architekturen und reliefierten Naturformen von Schneckengehäusen, auch mithilfe der ziselierten, akkuraten Musik von Johann Sebastian Bach. In Tanz der Muscheln (D 1956, 16’) drehen sich die gemusterten Wunderwerke der Natur zu den modernen elektronischen Klängen Wilhelm Kellers und Bernhard Aigns. Die bizarre Unterwasserwelt in Korallen, Skulpturen der Meere (D 1964, 12’) findet Widerhall in der mit dem Trautonium erzeugten elektroakustischen Musik von Oskar Sala. Seinen allerersten, heute nur in Fragmenten erhaltenen Film Urkräfte am Werk (D 1937/39, 15′) drehte Ehrhardt im Watt vor Cuxhaven, mit Wind und Wellen als Bildelement, Sand und Wasser als Hauptdarsteller. 13 Jahre später spürt er erneut den Wattstrukturen und Sandformationen nach, prescht vor auf dem Pferdewagen zur Insel Neuwerk: Inselfahrt (D 1950, 12′).

Im Babylon, Rosa-Luxemburg-Str. 30, 10178 Berlin
Bitte reservieren Sie hier Ihre Plätze.

Am 18. November 2022 wird die Alfred Ehrhardt Stiftung 20 Jahre alt! Aus diesem Anlass laden wir zur Filmgala ins Babylon mit anschließendem Empfang ein.

Zusätzlich zur Gala werden im November und Dezember drei Jubiläumsprogramme im Babylon mit neudigitalisierten und farbrestaurierten Kurzfilmen von Alfred Ehrhardt gezeigt. Die Veranstaltungen sind Auftakt einer bundesweiten Filmretrospektive.

Für den am Bauhaus bei Albers, Kandinsky und Schlemmer geschulten Naturfilmer Ehrhardt, einen der bedeutenden Fotografen der Neuen Sachlichkeit, ist der Film primär Bildkunst. Optisches Erzählen mit modernen, elektronischen Musikkompositionen kennzeichnet seine Filme. Seine musikalische Ausbildung und die künstlerische Prägung im Bauhaus schlugen sich in der Beschäftigung mit Abstraktion, Archaik, Urform, Oberflächenstruktur, Materialverhalten, Ornament, Rhythmus, Polyphonie und Serialität nieder. Die vom Hamburger Filmhistoriker Thomas Tode kuratierten Programme umfassen 12 preisgekrönte Tonfilme, restauriert mit Mitteln der Filmförderungsanstalt in 4K Qualität im Rahmen der Digitalisierung des deutschen Filmerbes.

Das Münchner Musiker-Duo Nicole Heartseeker (Orgel, Klavier) und Mulo Francel (Saxophon, Klarinette) vertont live mithilfe der Philipps-Kino-Orgel, der einzigen noch am Originalstandort verbliebenen Stummfilmorgel Deutschlands, drei Filme: Spiel der Spiralen (1951, 15’), Tanz der Muscheln (1959, Kurzversion 10′), Korallen – Skulpturen der Meere (1964, 12’). Deren Originalvertonungen durch Bach, Keller/Aign und Sala sind in den Jubiläumsprogrammen I-III zu hören. Es folgen die Farbfilme zur documenta II und zu Island: Kunst unserer Zeit I: Skulptur 1945-1959 (1959, 14′) und Gletscher und ihre Ströme (1962, 10’).

Im Babylon, Saal 1, Rosa-Luxemburg-Str. 30, 10178 Berlin
Einführung: Jens Ehrhardt, Christiane Stahl, Thomas Bakels, Thomas Tode

Der Eintritt ist frei. Bitte reservieren Sie hier Ihre Plätze.

Die Jubiläumsausstellung wurde von der Direktorin Dr. Christiane Stahl, den Mitarbeiterinnen Dr. Marie Christine Jádi und Stefanie Odenthal sowie der Fotorestauratorin Rosa Russo kuratiert. Aus dem Oeuvre Alfred Ehrhardts und dem reichen Archivfundus hat jede Kuratorin ihre persönliche Auswahl getroffen, die das Universaltalent Alfred Ehrhardt (1901−1984) in der ganzen Breite seines Schaffens präsentiert – von der Malerei über die Fotografie bis hin zum Film.

Als herausragender Vertreter der Fotografie der Neuen Sachlichkeit und mit der Veröffentlichung seiner mehr als 20 Fotobücher zählt Alfred Ehrhardt zu den erfolgreichsten Fotografen unter den ehemaligen Bauhaus-Künstlern. Für seine an die Avantgarde der 1920er Jahre angelehnten künstlerischen Filme sowie seine Kulturfilme erhielt er zahlreiche nationale wie internationale Auszeichnungen. Bevor Ehrhardt jedoch die Kamera als künstlerisches Ausdrucksmittel wählte, war er ausgebildeter Musiker, Maler und Kunstpädagoge. Er wäre sicher bildender Künstler geblieben, wäre er nicht wegen seiner modernen Kunstauffassung 1933 durch die Nationalsozialisten entlassen worden.

Dr. Christiane Stahl wird in ihrer Ausstellungsführung näher auf die Verbindung des malerischen und grafischen Werks mit den späteren fotografischen Arbeiten Ehrhardts eingehen. Zudem blickt sie als Gründungsdirektorin auf 20 Jahre Stiftungsarbeit zurück, in denen sich die Stiftung als wichtiges Forschungs- und Ausstellungszentrum in der Fotografie-Szene und darüber hinaus etablieren konnte.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Schauen wir auf eine Fotografie, hat man meist ein Positiv vor Augen. Das Negativ hingegen bleibt im Verborgenen. Doch ein genauerer Blick auf das Negativ ist von Vorteil: Es ist das Urbild jeder analogen fotografischen Aufnahme und war im Augenblick der Belichtung an Ort und Zeit gemeinsam mit dem Fotografen körperlich anwesend.

Für das Konvolut Korallen hat Alfred Ehrhardt über einen Zeitraum von 25 Jahren (1939−1964) verschiedene fotografische Aufnahmeverfahren verwendet, die exemplarisch das technische Fortschreiten der Fotografie im 20. Jahrhundert umfassen: vom S/W-Glasnegativ (Silbergelatinetrockenplatte) über den Kleinbildfilm zum Mittelformat-Dia in Farbe bis hin zum 35mm Kinofilm mit Tonspur. Über das dargestellte Motiv hinaus zeigt die Materialität des Negativs Spuren der Verarbeitung, des Gebrauchs, der Aufbewahrung, der Alterung und der Arbeitsweise von Alfred Ehrhardt.

Im Gespräch stellen die Fotorestauratorin Rosa Russo und die Leiterin des Archivs Dr. Marie Christine Jádi ihre aktuellen Forschungsergebnisse vor und lassen teilhaben an der investigativen Recherche.  

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Die Jubiläumsausstellung wurde von der Direktorin Dr. Christiane Stahl, den Mitarbeiterinnen Dr. Marie Christine Jádi und Stefanie Odenthal sowie der Fotorestauratorin Rosa Russo kuratiert. Aus dem Oeuvre Alfred Ehrhardts und dem reichen Archivfundus hat jede Kuratorin ihre persönliche Auswahl getroffen, die das Universaltalent Alfred Ehrhardt (1901−1984) in der ganzen Breite seines Schaffens präsentiert – von der Malerei über die Fotografie bis hin zum Film.

Als herausragender Vertreter der Fotografie der Neuen Sachlichkeit und mit der Veröffentlichung seiner mehr als 20 Fotobücher zählt Alfred Ehrhardt zu den erfolgreichsten Fotografen unter den ehemaligen Bauhaus-Künstlern. Für seine an die Avantgarde der 1920er Jahre angelehnten künstlerischen Filme sowie seine Kulturfilme erhielt er zahlreiche nationale wie internationale Auszeichnungen.

Die Ausstellungsführung mit Stefanie Odenthal legt den Fokus auf die unterschiedlichen fotografischen Materialien und Formate, die im Archiv der Stiftung aufbewahrt werden. Anhand von zwei Motiven lernen die Besucher*innen die verschiedensten Techniken, Bildgrößen und Publikationsformen kennen und erhalten so einen Überblick über die vielfältigen Möglichkeiten der fotografischen Reproduktion.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Im Vorgriff auf die Filmretrospektive mit farbrestaurierten Kurzfilmen Alfred Ehrhardts im Babylon ab 18.11.2022 stellt der Hamburger Filmwissenschaftler Thomas Tode dessen filmisches Werk vor. Für den am Bauhaus geschulten Filmemacher Alfred Ehrhardt ist Film primär Bildkunst. Für seine Filme erhielt er zahlreiche nationale wie internationale Auszeichnungen, darunter vier Bundesfilmpreise. 1948 wurde er gar als der „bedeutendste deutsche Nachkriegs-Kulturfilmschöpfer“ apostrophiert, heute würden wir von einem Altmeister des experimentellen Kultur- und Dokumentarfilms sprechen. Insbesondere in den Filmen Spiel der Spiralen, Tanz der Muscheln und Korallen – Skulpturen der Meere orientierte er sich an der Avantgardefotografie und am absoluten Film der 1920er Jahre – Werke, die noch heute von herausfordernder Modernität sind. Seine musikalische Ausbildung als auch die künstlerische Prägung im Bauhaus schlugen sich im filmischen Werk deutlich nieder, insbesondere in der Beschäftigung mit Abstraktion, Archaik, Urform, Oberflächenstruktur, Materialverhalten, Ornament, Rhythmus, Polyphonie und Serialität.

Thomas Tode. Lebt als freier Filmemacher, Kurator und Publizist in Hamburg. Forscht zu Avantgarde-, Sowjet-, Essayfilm. Kurator von Filmreihen, DVDs, Ausstellungen (zuletzt im ZKM Karlsruhe: bauhaus.film.expanded 2020).

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Die Jubiläumsausstellung wurde von der Direktorin Dr. Christiane Stahl, den Mitarbeiterinnen Dr. Marie Christine Jádi und Stefanie Odenthal sowie der Fotorestauratorin Rosa Russo kuratiert. Aus dem Oeuvre Alfred Ehrhardts und dem reichen Archivfundus hat jede Kuratorin ihre persönliche Auswahl getroffen, die das Universaltalent Alfred Ehrhardt (1901−1984) in der ganzen Breite seines Schaffens präsentiert – von der Malerei über die Fotografie bis hin zum Film.

Als herausragender Vertreter der Fotografie der Neuen Sachlichkeit und mit der Veröffentlichung seiner mehr als 20 Fotobücher zählt Alfred Ehrhardt zu den erfolgreichsten Fotografen unter den ehemaligen Bauhaus-Künstlern. Für seine an die Avantgarde der 1920er Jahre angelehnten künstlerischen Filme sowie seine Kulturfilme erhielt er zahlreiche nationale wie internationale Auszeichnungen.

In der Führung durch die Ausstellung mit Dr. Marie Christine Jádi wird die Archivarbeit der Stiftung kurz vorgestellt und ein Blick hinter die Kulissen ermöglicht. Dabei wird anhand der noch gänzlich unbekannten Bilderreihe Deutschlandfahrt ’49 gezeigt, wie spannend es sein kann, Verwirrungen zu enträtseln und Motive geografisch ausfindig zu machen.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Naturstrukturen können vor allem dann faszinieren, wenn der Gegenstand durch fotografische Abstraktionsvorgänge bis zur Unkenntlichkeit verunklärt wird. Die Abbildung der Wirklichkeit wird in Frage gestellt und Sehgewohnheiten werden herausgefordert.  Die Arbeiten von Thomas Anschütz und Nadine Poulain reizen im höchsten Maße die Abstraktionsmöglichkeiten der Fotografie aus. Beide generieren aus Naturmotiven neue Formen, wobei das ursprüngliche Sujet im Grenzbereich der Abstraktion nur noch entfernt zu erahnen ist. 

Nadine Poulain beschäftigt sich mittels aufwändiger digitaler Verfahren mit der Überführung von Naturphänomenen in die Abstraktion. In ihrer Serie Hikari (japanisch: Licht) transformiert sie unterschiedliche Lichtreflexe auf einer Wasseroberfläche zu vollkommen abstrakten Bildwelten, die nicht mehr auf das ursprünglich in der Natur entstandene Motiv schließen lassen und an konkrete Malerei erinnern.

Thomas Anschütz entzieht den Dingen am Computer ihre Farbinformationen und beraubt sie so ihrer Dimensionalität. In seiner Serie BOOTH (Geist im Hinduismus) geht auch er vom Naturmotiv aus – die Aufnahmen entstanden im Wald bei Dämmerung –, aber seine vielschichtigen digitalen Manipulationen zielen nicht auf eine endgültige Loslösung vom Gegenstand, sondern auf eine Entmaterialisierung des Lichts hin zu einer malerischen Transformation.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Die Ausstellung naturstrukturabstrakt versammelt Werke, die im höchsten Maße die Abstraktionsmöglichkeiten der Fotografie ausreizen. Die Arbeiten der Fotografinnen und Fotografen generieren aus der Natur heraus neue Formen, die hochgradig zeichnerische und malerische Qualitäten aufweisen. So unterschiedlich sie sich jeweils mit ihrer Thematik auseinandersetzen, so haben ihre Werke doch eines gemein: Das ursprüngliche Motiv ist im Grenzbereich der Abstraktion nur noch entfernt zu erahnen. Die Arbeiten faszinieren besonders, wenn der Gegenstand durch fotografische Abstraktionsvorgänge fast bis zur Unkenntlichkeit verunklärt wird.

Die Führung macht einen Gang durch die gesamte Ausstellung und geht auf alle Werke ein, aber der Schwerpunkt wird auf der Arbeit von Manuela Höfer liegen. Seit vielen Jahren erstellt die Künstlerin in der Dunkelkammer abstrakte Fotogramme, wobei sie nur mit Pflanzen, Licht und Chemie organische Gebilde heranwachsen lässt, die pflanzlichen Urformen ähneln und eine große malerische Komponente mit sich führen. Im Gespräch mit Christiane Stahl gibt Manuela Höfer Einblick in ihre Alchemie des Fotogramms: das Sammeln von Pflanzen auf Reisen und im eigenen Garten, den kreativen Prozess der Bildfindung, das Wirken des Lichts auf Gegenständliches und Erdachtes und die Kunst, die Reaktion der lichtempfindlichen Schicht auf kleinste Mengen Licht in der Dunkelkammer zu steuern.

Manuela Höfer studierte nach Fotolaborantenlehre und Fotografenausbildung Fotografie an der Hochschule für Film, Fernsehen und Fotografie, FAMU in Prag. Ihr Hauptinteresse galt dabei immer der analogen Fotografie und Fotogrammen. Sie organisierte Ausstellungen und Messen für Fotografen in London und Berlin und eröffnete eine Fotogalerie in London. Ihre Arbeiten befinden sich in zahlreichen Sammlungen und wurden europaweit in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt.

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Die Malerin Herta Müller (*1955) lebt und arbeitet in Berlin sowie in der Nähe von Loro Ciuffena in den toskanischen Bergen. Ihr Haus liegt inmitten der Natur, deren Bestandteile sie intensiv studiert. Fasziniert von den Farben des mediterranen Lichts, gilt ihr besonderes Augenmerk den Spiegelungen im Wasser des Bergflusses Ciuffena. Herta Müllers Arbeiten lassen ihren Ursprung im Formenvokabular der Natur erahnen, aber ihre abstrakten Lineaturen, Flächen und Leerräume sind eher wie Botschaften aus Zeichen und Symbolen. Sie entsprechen implizit dem Gesehenen und Erlebten, ohne explizit im Gegenständlichen zu verharren.

Im Gespräch mit Dr. Christiane Stahl wird die Künstlerin ihre Sichtweise auf die Natur und ihre Arbeitsweise erläutern. Welche Bedeutung hat für sie die Natur? Wo und wie beobachtet sie die Natur? Warum arbeitet sie nicht direkt vor der Natur? Warum und wie bedient sie sich für ihre Beobachtungen unzähliger, über die Jahre vor Ort angefertigter fotografischer Notizen? Und wie schafft sie es, dass das Hören, Riechen und Fühlen einer mit allen Sinnen empfundenen Natur aus ihren Gemälden hervorzusprudeln scheint und man vermeint, das sanfte Glucksen des Wassers zu hören und dessen kühlende Wirkung zu spüren?

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Im Gespräch mit der Künstlerin Herta Müller soll das Thema Malerei im Allgemeinen am Beispiel ihrer Werke näher betrachtet werden. Was heißt es, eine Landschaft auf einen Bildgrund zu übertragen, was sind die wesentlichen Momente dieses Prozesses? Wirklichkeit? Transformation? Welche Rolle spielt die Farbe, kann man von einer metaphysischen Dimension der Farbe sprechen? Woher kommen bei Herta Müller ihre Sujets und warum gerade diese? Ist die Fotografie eine Hilfe? Die Fragen berühren Themen der Malerei, denen wir uns gemeinsam annähern wollen.

Prof. Dr. Eugen Blume, Jahrgang 1951. Er wohnt und arbeitet als freiberuflicher Kunsthistoriker in Berlin und Dechowshof und war von 2001 bis 2016 der Leiter der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin. 2021 gestaltete er gemeinsam mit Catherine Nichols als Projektleiter das Jubiläumsjahr zum 100. Geburtstag von Joseph Beuys in NRW. Er hat zahlreiche Ausstellungen und Publikationen zur zeitgenössischen und klassischen Moderne erarbeitet. 

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Was sehen wir, wenn wir durch ein Mikroskop schauen? Eine mikroskopische Vergrößerung, deren »Richtigkeit« wir im ersten Moment nicht anzweifeln. Doch genau betrachtet, handelt es sich bei einer mikroskopischen Vergrößerung um eine instrumentell konstruierte Sichtbarkeit, die nur im Mikroskop betrachtet werden kann und keine Referenz in der sichtbaren Wirklichkeit aufweist. Daher kann sie nicht auf ihre »Richtigkeit« und »Wahrheit« überprüft werden. Wird die Vergrößerung schließlich fotografiert, überträgt sich die Unsicherheit über das, was wir sehen, auf die Aufnahme: Sie zeigt uns ein instrumentell konstruiertes Bildobjekt von fragwürdiger Existenz. Mikrofotografien evozieren somit die Frage, wie mit diesen Aufnahmen insbesondere in einer Zeit umgegangen wurde, in der dem fotografischen Bild »Wahrhaftigkeit« und »Objektivität« zugesprochen wurde.

Das vorgestellte Buch will diese Fragen beantworten, indem die theoretischen Debatten über den Einsatz der Fotografie in der Mikroskopie im 19. und frühen 20. Jahrhundert vorgestellt und verschiedene praktische Umgangsformen und Verwendungskontexte von Mikroaufnahmen analysiert werden. Ein Fokus der Vorstellung wird dabei auf Aufnahmen liegen, die auf Grund des in der sichtbaren Wirklichkeit nicht vorkommenden Bildobjektes eine hohe ästhetische Faszination ausübten.

Das Buch ist die Veröffentlichung einer Doktorarbeit, die im Projekt »Visual History. Institutionen und Medien des Bildgedächtnisses« am Deutschen Museum, München entstanden ist und von Prof. Dr. Burcu Dogramaci und Prof. Dr. Steffen Siegel betreut wurde.

Stefanie Dufhues studierte Kunstgeschichte sowie Theater-, Film und Medienwissenschaften in Wien und Zürich, bevor sie an der LMU in München promovierte. Seit 2017 ist sie wissenschaftliche Mitarbeiterin der Sammlung »Foto und Film« des Deutschen Museum.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Die Malerin Herta Müller (*1955) lebt und arbeitet in Berlin sowie in der Nähe von Loro Ciuffena in den toskanischen Bergen. Ihr Haus liegt inmitten der Natur, deren Bestandteile sie intensiv studiert. Fasziniert von den Farben des mediterranen Lichts, gilt ihr besonderes Augenmerk den Spiegelungen im Wasser des Bergflusses Ciuffena. Herta Müllers Arbeiten lassen ihren Ursprung im Formenvokabular der Natur erahnen, aber ihre abstrakten Lineaturen, Flächen und Leerräume sind eher wie Botschaften aus Zeichen und Symbolen. Sie entsprechen implizit dem Gesehenen und Erlebten, ohne explizit im Gegenständlichen zu verharren.

Im Gespräch mit Dr. Christiane Stahl wird die Künstlerin ihre Sichtweise auf die Natur und ihre Arbeitsweise erläutern. Welche Bedeutung hat für sie die Natur? Wo und wie beobachtet sie die Natur? Warum arbeitet sie nicht direkt vor der Natur? Warum und wie bedient sie sich für ihre Beobachtungen unzähliger, über die Jahre vor Ort angefertigter fotografischer Notizen? Und wie schafft sie es, dass das Hören, Riechen und Fühlen einer mit allen Sinnen empfundenen Natur aus ihren Gemälden hervorzusprudeln scheint und man vermeint, das sanfte Glucksen des Wassers zu hören und dessen kühlende Wirkung zu spüren?

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Fred Koch (1904-1947) zählt zu den wichtigsten Fotografen der Weimarer Republik. Seine neusachlichen Schwarzweißfotografien zeigen vorrangig Detailaufnahmen von Pflanzen und Kristallen, aber auch Eisblumen, Korallen, Conchylien, Insekten sowie Röntgenfotografien.

In der Führung gibt die Kuratorin der Ausstellung, Stefanie Odenthal M.A., einen Einblick in das Werk Kochs, welches Dank aufwändiger Recherchen und Zuschreibungen erstmals in einer Einzelausstellung entdeckt werden kann. Es wird gezeigt, wie Koch in seinen Fotografien das „Lebendige der Pflanzen“ so pointiert hervorhebt wie kein anderer Fotograf seiner Zeit. In Anlehnung an Ernst Fuhrmanns „Biosophie“, die von einer animalischen Funktion der Pflanze ausgeht, inszeniert Koch die Pflanzen wie Porträts. Dabei betont er die florale Schönheit, Anmut und Pracht von Pflanzen und reizt die Stilmittel der neusachlichen Fotografie maximal aus. Besonders in seinen Kristall- und Mineralienfotografien hebt Koch sich von seinen Kollegen hervor, indem er Spezialkameras für extreme Tiefenschärfen im Makrobereich entwarf und Ausleuchtungsmodalitäten bis ins kleinste Detail erprobte. Freunde der Fotoästhetik von Karl Blossfeldt (1865-1932), Aenne Biermann (1898-1933), Albert Renger-Patzsch (1897-1966) oder Alfred Ehrhardt werden auf ihre Kosten kommen.

Eintritt frei. Die Veranstaltung findet auf Deutsch statt. Die Veranstaltung findet unter Vorbehalt statt, entsprechend der behördlichen Auflagen. Derzeit gilt die 2G+ Regel, bitte bringen Sie Ihren Impf- oder Genesungsnachweis, einen Ausweis sowie einen tagesaktuellen negativen Schnelltest mit (ein Selbsttest ist nicht ausreichend). Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de.

Fotografien können rein ästhetisch wirken oder auch bestimmte Aussagen treffen. Sie können zufällig oder bewusst erzeugt werden. Sie können optisch zusammenpassen, eine Serie und ein stringentes Aussehen ergeben – oder eben auch nicht.

Wie kommt es aber dazu, dass Bilder stimmig nebeneinander aussehen, sich ergänzen, einen bestimmten Stil, langfristig vielleicht sogar eine spezifische fotografische Handschrift darstellen – ist dies Zufall oder harte Arbeit?

Stefan Berg hat sich mit dem Prinzip der Autor*innenschaft, mit künstlerischer und kommerzieller Fotografie beschäftigt und mit Studierenden Prozesse der Bilderzeugung kritisch beleuchtet. Es wurde untersucht, in welchem Maß soziale und kulturelle Prägungen Einfluss auf die persönliche Sichtweise, die Gestaltung und Qualität eines Bildes haben können – und, ob sich Persönlichkeitsmerkmale in Bildern wiederfinden. Im Rahmen des Vortrags stellt Stefan Berg die Ergebnisse vor. Er analysiert Bildserien berühmter Fotograf*innen und präsentiert unterschiedliche Arten von Auftragsfotografien anhand des Einsatzes von Bildsprachen und Bildgattungen – von den 1920er Jahren bis zur heutigen Zeit.

Stefan Berg, Jahrgang 1971, ist Dozent und Fotograf. Er wohnt in Berlin und arbeitet mit Institutionen und Auftraggebern im In- und Ausland. Künstlerische Arbeiten von ihm, unter anderem zum Bauhaus, wurden international gezeigt und publiziert. Lehre und Wissensvermittlung sind sein zweites Standbein. Er ist für Hochschulen wie die UdK Berlin, die Hochschule Anhalt, die FH Potsdam und den Berliner Lette Verein tätig. 2021 hat er seinen Master im Bereich Kommunikationsdesign bei Wiebke Loeper abgeschlossen.

Eintritt frei. Die Veranstaltung findet auf Deutsch statt. Die Veranstaltung findet unter Vorbehalt statt, entsprechend der behördlichen Auflagen. Derzeit gilt die 2G+ Regel, bitte bringen Sie Ihren Impf- oder Genesungsnachweis, einen Ausweis sowie einen tagesaktuellen negativen Schnelltest mit (ein Selbsttest ist nicht ausreichend). Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de.

Koch (1904-1947) zählt zu den wichtigsten Fotografen der Weimarer Republik. Seine neusachlichen Schwarzweißfotografien zeigen vorrangig Detailaufnahmen von Pflanzen und Kristallen, aber auch Eisblumen, Korallen, Conchylien, Insekten sowie Röntgenfotografien.

In der Führung gibt die Kuratorin der Ausstellung, Stefanie Odenthal M.A., einen Einblick in das Werk Kochs, welches Dank aufwändiger Recherchen und Zuschreibungen erstmals in einer Einzelausstellung entdeckt werden kann. Es wird gezeigt, wie Koch in seinen Fotografien das „Lebendige der Pflanzen“ so pointiert hervorhebt wie kein anderer Fotograf seiner Zeit. In Anlehnung an Ernst Fuhrmanns „Biosophie“, die von einer animalischen Funktion der Pflanze ausgeht, inszeniert Koch die Pflanzen wie Porträts. Dabei betont er die florale Schönheit, Anmut und Pracht von Pflanzen und reizt die Stilmittel der neusachlichen Fotografie maximal aus. Besonders in seinen Kristall- und Mineralienfotografien hebt Koch sich von seinen Kollegen hervor, indem er Spezialkameras für extreme Tiefenschärfen im Makrobereich entwarf und Ausleuchtungsmodalitäten bis ins kleinste Detail erprobte. Freunde der Fotoästhetik von Karl Blossfeldt (1865-1932), Aenne Biermann (1898-1933), Albert Renger-Patzsch (1897-1966) oder Alfred Ehrhardt werden auf ihre Kosten kommen.

Eintritt frei. Die Veranstaltung findet auf Deutsch statt. Die Veranstaltung findet unter Vorbehalt statt, entsprechend der behördlichen Auflagen. Derzeit gilt die 2G+ Regel, bitte bringen Sie Ihren Impf- oder Genesungsnachweis, einen Ausweis sowie einen tagesaktuellen negativen Schnelltest mit (ein Selbsttest ist nicht ausreichend). Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de.

Fred Koch (1904-1947) zählt zu den wichtigsten Fotografen der Weimarer Republik. Seine neusachlichen Schwarzweißfotografien zeigen vorrangig Detailaufnahmen von Pflanzen und Kristallen, aber auch Eisblumen, Korallen, Conchylien, Insekten sowie Röntgenfotografien.

In der Führung gibt die Kuratorin der Ausstellung, Stefanie Odenthal M.A., einen Einblick in das Werk Kochs, welches Dank aufwändiger Recherchen und Zuschreibungen erstmals in einer Einzelausstellung entdeckt werden kann. Es wird gezeigt, wie Koch in seinen Fotografien das „Lebendige der Pflanzen“ so pointiert hervorhebt wie kein anderer Fotograf seiner Zeit. In Anlehnung an Ernst Fuhrmanns „Biosophie“, die von einer animalischen Funktion der Pflanze ausgeht, inszeniert Koch die Pflanzen wie Porträts. Dabei betont er die florale Schönheit, Anmut und Pracht von Pflanzen und reizt die Stilmittel der neusachlichen Fotografie maximal aus. Besonders in seinen Kristall- und Mineralienfotografien hebt Koch sich von seinen Kollegen hervor, indem er Spezialkameras für extreme Tiefenschärfen im Makrobereich entwarf und Ausleuchtungsmodalitäten bis ins kleinste Detail erprobte. Freunde der Fotoästhetik von Karl Blossfeldt (1865-1932), Aenne Biermann (1898-1933), Albert Renger-Patzsch (1897-1966) oder Alfred Ehrhardt werden auf ihre Kosten kommen.

Eintritt frei. Die Veranstaltung findet auf Deutsch statt. Die Veranstaltung findet unter Vorbehalt statt, entsprechend der behördlichen Auflagen. Derzeit gilt die 2G+ Regel, bitte bringen Sie Ihren Impf- oder Genesungsnachweis, einen Ausweis sowie einen tagesaktuellen negativen Schnelltest mit (ein Selbsttest ist nicht ausreichend). Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de.