Kategorie: Archiv

Klimawandel, Klimafolgen, Klimakrise: Diese Begriffe umgeben uns täglich beim Medienkonsum und sie verheißen nichts Gutes. Dass sich unser Klima weltweit rasant verändert, stellt die Wissenschaft schon seit Jahrzehnten fest. Auch die Gründe sind bekannt. Aber in Politik und Gesellschaft fehlt oft das Gefühl der Dringlichkeit. Dies liegt u.a. daran, dass der Wandel im Maßstab eines Menschenlebens langsam voranschreitet und sich auch regional unterschiedlich darstellt. Wie die Klimakrise global einzuordnen ist und wie sie auf das Weltnaturerbe Wattenmeer wirkt, darüber berichtet der Diplom-Biologe Bernhard Rauhut vom UNESCO-Weltnaturerbe Wattenmeer-Besucherzentrum Cuxhaven.

Nach der Vorstellung der Besonderheiten des Wattenmeeres und der Werte dieses weltweit einzigartigen Naturraums geht der Vortrag auf die Klimageschichte im großen zeitlichen Maßstab und die aktuelle klimatische Situation ein. Die Folgen der schon eingetretenen und absehbaren Klimaänderungen für das Wattenmeer werden anhand von Beispielen anschaulich gemacht. Exemplarisch steht ein kleiner Zugvogel, der Knutt, im Fokus wissenschaftlicher Erkenntnisse über die Folgen des Klimawandels für einen ganzen Verbund von Ökosystemen. Aber es gibt auch Instrumente für ein Gegensteuern – im Großen wie im Kleinen.

Bernhard Rauhut, Leiter des UNESCO-Weltnaturerbe Wattenmeer-Besucherzentrums in Cuxhaven (Niedersachsen), ist Diplom-Biologe und in dieser Position seit 13 Jahren bei der Stadt Cuxhaven tätig. Er war verantwortlich für die Konzeption und praktische Umsetzung des Neubaus und der Dauerausstellung im 2015 eröffneten Besucherzentrum. Zuvor koordinierte er ein Naturschutz-Großprojekt zum Schutz von Küstenheiden, das anschließend durch ein LIFE-Natur-Projekt „Große Pflanzenfresser zum Schutz von Heiden“ fortgesetzt wurde. Danach übernahm er die Landschaftsplanung für die Stadt Cuxhaven. Das Thema Klimawandel ist ein zentraler Aspekt in der Bildungsarbeit für den Nationalpark, das Weltnaturerbe und die Biosphärenregion Wattenmeer.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Über etliche Jahre hinweg besuchte der Hamburger Fotograf Marc-Oliver Schulz regelmäßig die Elbmündung zwischen Büsum und Cuxhaven, im Winter wie im Sommer, um mit seiner Kamera dem Phänomen des Sehens auf die Spur zu kommen. Denn die Leere und Weite des Wattenmeers begünstigt die Schärfung der Wahrnehmung, weil das Narrativ entfällt. Das gegenstandsorientierte Sehen kann einem offenen, absichtslosen Schauen weichen. Dabei geht es ihm nicht nur um seine eigene Wahrnehmung dieser besonderen Landschaft zwischen Land und Wasser, sondern auch die Wahrnehmung seiner Fotografien durch uns Betrachter. Im Bild wird der Ort nachrangig, dafür der Zustand der Landschaft bestimmend. Das Sehen bestimmt das Bild.

In der Führung durch die Ausstellung wird Marc-Oliver Schulz im Gespräch mit Christiane Stahl seine Erfahrungen wiedergeben, sowohl die vor Ort als auch die mit seinen Fotografien. Er wird darüber berichten, wie es ist, auf den Steinbuhnen im offenen Watt auf den Moment zu warten, in dem sich Landschaft, Licht und Zeit entgrenzen; warum seine Aufnahmen oft in der Dämmerung oder bei Nacht entstehen, wenn sich der Horizont mit dem Sternenhimmel aufzulösen scheint; und warum er die offensichtlichen Spuren menschlicher Zivilisation wie die der Schifffahrt dienenden Seezeichen oder die Lichter der Küstenstädte nicht ausblendet. Ist der Steinwall, auf dem er steht – und wir als Betrachter mit ihm – Symbol einer Bruchkante zwischen Natur und Mensch?

Marc-Oliver Schulz (*1962) lebt und arbeitet als selbständiger Fotograf in Hamburg. Seine Leidenschaft für die Fotografie entdeckte er in der Dunkelkammer seines Großvaters. Im Fotografie-Studium an der FH Dortmund lernte er bei Pan Walther „das Chaos zu durchdringen“ und bei Ulrich Mack „in Bildern zu denken“. In seinen zumeist seriellen Arbeiten zu Themen wie Licht, Zeit, Identität und Flüchtigkeit setzt er sich mit den Aspekten des Sehens und mit Fragen zur Darstellbarkeit von Wirklichkeit auseinander. 2022 wurde er bei den Wiesbadener Fototagen mit dem Preis der Jury und 2023 in Niebüll mit dem marehalm Kunstpreis ausgezeichnet. Seit 2023 ist er Mitglied der DGPh (Deutsche Gesellschaft für Photographie).

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Der Filmemacher Hark Bohm – der „Vater des deutschen Autorenfilms“ – hat seine Kindheit auf Amrum verbracht; seine Mutter kam von der Insel. Das hat sich eingeschrieben in Bohms Biografie, der Vorname „Hark“ ist friesischer Herkunft.

In dem Roman „Amrum“, den Hark Bohm zusammen mit dem Schriftsteller Philipp Winkler geschrieben hat, erzählt Bohm eng entlang seiner Kindheit. Seine Eltern waren überzeugte Nationalsozialisten: In der „guten Stube“ hingen ein Bild des Vaters und ein Bild des Führers. „Amrum“ spielt in den letzten Monaten des 2. Weltkriegs, einem Dazwischen: zwischen Krieg und bald Frieden, Kindheit und Erwachsenwerden, Solidarität und Zweifel in dem wie abgeschlossen wirkenden Insel-Raum. Immer wieder geht es auch um die Faszination der Insel, die von der jungen Hauptfigur erkundet wird. Eine Insel, die beim Überleben hilft: als das Essen immer knapper wird, dienen Kiebitzeiern, Schollen, Kaninchen als Nahrung.

All das zeigt der Roman „Amrum“ – und die gleichnamige Verfilmung von Star-Regisseur Fatih Akin, die in diesem Frühjahr bei den Filmfestspielen in Cannes gefeiert wurde und im Oktober in die Kinos kommt.

Philipp Winkler (*1986 bei Hannover) ist Arbeiterkind und Hochschulabsolvent in 1. Generation und schreibt Romane und Drehbücher. Sein Debütroman „Hoo“ war Spiegel-Bestseller, stand auf der Shortlist des Deutschen Buchpreises und wurde mit dem ZDF aspekte-Literaturpreis für das beste deutschsprachige Debüt ausgezeichnet. Seine Werke wurden in mehr als zehn Sprachen übersetzt und mehrfach für die Bühne adaptiert. Filmadaptionen aller seiner Bücher sind in Arbeit.

Zum Filmtrailer: https://www.youtube.com/watch?v=Ilihw27Dl4k

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

In der Ausstellung The Burnt Sea präsentiert die renommierte australische Künstlerin Janet Laurence eine eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung entwickelte Installation. Unter Verwendung von Alfred Ehrhardts ikonischen Korallenaufnahmen aus den 1930er und 1940er Jahren schafft Laurence einen atmosphärischen Erfahrungsraum, der die Fragilität und die zunehmende Bedrohung mariner Lebenswelten eindrucksvoll erfahrbar macht. Laurence zeigt die Korallen nicht in ihrer einstigen Pracht, sondern als zerfallene, aschgraue Relikte – Sinnbilder eines „brennenden Zustands“ der Erde, der selbst in den Tiefen der Ozeane spürbar ist. Hitzewellen und steigende Meerestemperaturen führen zur Korallenbleiche und gefährden eines der artenreichsten Ökosysteme unseres Planeten.
Mit ihrer Arbeit verweist die Künstlerin eindringlich auf die drängende ökologische Krise, denn nur noch ein Drittel der weltweiten Korallenriffe gilt als intakt – ihr Verschwinden bedeutet einen dramatischen Verlust, nicht nur für die Meere, sondern für das globale ökologische Gleichgewicht.

In der Führung spricht Stefanie Regina Dietzel, Archivleiterin der Alfred Ehrhardt Stiftung, über den alarmierenden Rückgang der Riffe, aber auch über Hoffnung und Ansätze zur Wiederbelebung dieser einzigartigen Lebensräume. Die Ausstellung lädt dazu ein, die Verletzlichkeit der Natur nicht nur als Mahnung zu verstehen, sondern auch als Inspiration für ein achtsames und verantwortungsvolles Miteinander mit unserer Umwelt. Dieses Spannungsfeld zwischen Verlust, Fürsorge und Trost wird in einer einleitenden Performance von Pamela Hernándes und Cleo Chiu tänzerisch zum Ausdruck gebracht.

Pamela Hernándes ist professionelle Tänzerin, Choreographin und Pole-Dance-Performerin aus Mexiko mit einem Hintergrund in zeitgenössischem Tanz, Jazz Dance, Hip-Hop und Gesellschaftstanz. Sie performte unter anderem für die Black Eyed Peas, Paulina Rubio und Martha Sánchez.
Cleo Chiu stammt aus Hongkong und ist Neuropsychologin sowie Pole-Dance-Trainerin. Mit großer Leidenschaft erforscht sie die Schnittstellen zwischen Kunst und Wissenschaft. Durch Tanz schafft sie einen Raum für Neugier und Austausch über den menschlichen Körper, das Gehirn und gemeinsame Erfahrungen.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Alfred Ehrhardt inspirierten die von Steinkorallen geschaffenen ästhetischen Formen zu eindrucksvollen Schwarzweißfotografien. Doch diese Konstrukte aus Kalk sind nicht nur schön. Sie haben es in sich. Sie sind Meisterleistungen der Ingenieurskunst. Einzelne Korallen sind so stabil, dass sie Explosionen mit Dynamit unbeschadet überstehen. Korallenriffe halten sogar Atombombenexplosionen stand.

Doch Steinkorallen faszinieren nicht nur in kleinen Strukturen. Sie schaffen Großes, ja geradezu Gigantisches. Ihr Werk sind tausende von Inseln in den Tropen und alle Atolle dieser Erde. Sie prägten die Landschaften Südostasiens ebenso wie die Alpen. Sie sind mit Abstand die größten Baumeister unseres Planeten! Ihre Leistung drückt sich in Rekorden aus: In Ozeanien schufen Sie mit über 1.400m Höhe das höchste Bauwerk der Erde. Vor Australien wiederum liegt das größte Bauwerk, das je von Lebewesen geschaffen wurde: Das Große Barriere Riff erstreckt sich über ca. 2.300km. Es kann sogar aus dem Weltraum gesehen werden. Eine große Leistung für Tiere, die noch nicht einmal über ein Gehirn verfügen. Doch wie machen sie das? Und warum?

Australien ist auch die Heimat der Künstlerin Janet Laurence, deren Installation die Bedrohungen zeigen, denen die Steinkorallen aktuell ausgesetzt sind. Die steigenden Meerestemperaturen sind dabei die größte Gefahr für die Zukunft der faszinierenden Steinkorallen. Doch was passiert, wenn einzelne Korallen und ganze Riffe wegen der Hitze sterben? Und nicht nur das. Wir können von Korallenriffen für unsere eigene Zukunft lernen. Nachhaltigkeit und Kreislaufwirtschaft praktizieren Korallenriffe schon seit über 500 Millionen Jahren. Und sie sind ein wunderbares Beispiel dafür, dass Zusammenarbeit mehr Erfolg verspricht als Konkurrenz.

Im Vortrag spricht Heinz Krimmer über die erstaunliche Lebensweise der Steinkorallen und ihre Bedeutung für das ökologische Gleichgewicht der Erde. Er fragt nach den Herausforderungen, denen Korallen heute gegenüberstehen und erläutert Antworten und Ideen, die MeeresbiologInnen zur existentiellen Gefahr des Korallensterbens haben.

Heinz Krimmer (*1960) ist Journalist, Dozent, Foto- und Videograf, Herausgeber und Autor. In Korallenriffen taucht er seit den 1980er Jahren. Seit den 2010er Jahren widmete sich Krimmer auch verstärkt beruflich den Themen der Meeresbiologie und des Umweltschutzes. Im Franckh-Kosmos-Verlag veröffentlichte er mehrere populärwissenschaftliche Fachbücher. Als Mitarbeiter der Universität Bremen war er Mitglied des Organisationsteams der beiden letzten wissenschaftlichen Weltkorallenriffkonferenzen ICRS 2021 und 2022.

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„Das Meer ist für mich ein fortwährendes Wunder; die darin schwimmenden Fische – die Felsen – die Wellenbewegungen – Welch seltsamere Wunder mag es dort geben“, fasste der amerikanische Autor Walt Whitman seine Faszination für das Meer in Worte. Im Rahmen der Ausstellung The Burnt Sea erkunden Meike Rötzer und Thomas Böhm Texte über das fortwährende wie die seltsameren Wunder der Unterwasserwelten.
Vorgestellt werden Meerestexte von der Antike bis zur Gegenwart: darin erscheinen die Ozeane als Schauplatz von Mythen und Abenteuern, ebenso wie als Ort, an dem der Mensch bis dahin unbekannten Formen der Schöpfung (und ihrer Zerstörung) begegnet. Vor den Bullaugen des U-Bootes werden insbesondere Korallen, Kraken und Seepferdchen auftauchen – aus der höchst erfolgreichen, im Verlag Matthes & Seitz erscheinenden Reihe „Naturkunden“, zu dem Meike Rötzer seit 2021 einen Podcast gestaltet. Die „Naturkunden“ sind die grundlegende und erfolgreichste Reihe zum Thema „nature writing“ in Deutschland.

Meike Rötzer (*1971) in Westfalen, Schauspielausbildung Otto-Falckenberg-Schule, München. Festengagements Badisches Staatstheater Karlsruhe, Städtische Bühnen Kiel. Freie Produktionen Berlin Sophiensæle, Theaterdiscounter, Festengagement TV-Serie, weitere Rollen folgten. 2008-2022 Lektorin für Belletristik Verlag Matthes & Seitz Berlin. Sie ist Autorin für Radiofeatures, Sprecherin von Hörbüchern, wurde 2023 nominiert als „beste Interpretin“ zum Deutschen Hörbuchpreis. Der von ihr 2022 gegründete Erzählbuchverlag stellt Klassiker der Weltliteratur im freien Erzählen vor.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

In der Ausstellung The Burnt Sea präsentiert die renommierte australische Künstlerin Janet Laurence eine eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung entwickelte Installation. Unter Verwendung von Alfred Ehrhardts ikonischen Korallenaufnahmen aus den 1930er und 1940er Jahren schafft Laurence einen atmosphärischen Erfahrungsraum, der die Fragilität und die zunehmende Bedrohung mariner Lebenswelten eindrucksvoll erfahrbar macht. Laurence zeigt die Korallen nicht in ihrer einstigen Pracht, sondern als zerfallene, aschgraue Relikte – Sinnbilder eines „brennenden Zustands“ der Erde, der selbst in den Tiefen der Ozeane spürbar ist. Hitzewellen und steigende Meerestemperaturen führen zur Korallenbleiche und gefährden eines der artenreichsten Ökosysteme unseres Planeten.
Mit ihrer Arbeit verweist die Künstlerin eindringlich auf die drängende ökologische Krise, denn nur noch ein Drittel der weltweiten Korallenriffe gilt als intakt – ihr Verschwinden bedeutet einen dramatischen Verlust, nicht nur für die Meere, sondern für das globale ökologische Gleichgewicht.
In der Führung sprechen die Künstlerin und Stefanie Regina Dietzel, Archivleiterin der Alfred Ehrhardt Stiftung, über den alarmierenden Rückgang der Riffe, aber auch über Hoffnung und Ansätze zur Wiederbelebung dieser einzigartigen Lebensräume. Die Ausstellung bewegt sich zwischen Verlust, Fürsorge und Trost. Sie lädt dazu ein, die Verletzlichkeit der Natur nicht nur als Mahnung zu verstehen, sondern auch als Inspiration für ein achtsames und verantwortungsvolles Miteinander mit unserer Umwelt.

Janet Laurance (*1947) ist einer der ersten und bedeutendsten ökologischen Künstler:innen Australiens. Sie untersucht in ihren immersiven Werken unsere oft widersprüchliche Beziehung zur Natur sowie die Bedrohung durch den Klimawandel und arbeitet dabei stets an der Schnittstelle zwischen Kunst und Wissenschaft. Für ihre Arbeit erhielt sie sowohl ein Rockefeller- als auch ein Churchill-Stipendium. Zu ihren bedeutendsten Einzelausstellungen gehört Tears of Dust im Museum of Australian Photography in Melbourne. 2019 wurde sie mit der Überblicksausstellung After Nature im Museum of Contemporary Art in Sydney geehrt.

Eintritt frei. Wir bitten um Anmeldung unter: info@aestiftung.de

Kilian Breier (1931-2011) gehört zu den bedeutendsten experimentellen deutschen Fotokünstlern der Nachkriegszeit. Franziska Schmidt geht in ihrer Führung auf ihre beispielhafte Auswahl von Breiers Werken ein, die den Prozess seines Schaffens von der gegenständlichen Form bis hin zur Abstraktion aufzeigen. Die ausgewählten Arbeiten ermöglichen einen Einblick in die faszinierende Bildwelt des Fotokünstlers, welche dieser ausgehend von Naturmaterialien wie Pflanzen oder Bäumen in den 1950er bis 1980er Jahren entwickelt hat. Breier war Professor für Fotografie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Sein Werk ist von einem innovativen Umgang mit der Fotografie gekennzeichnet, der mit den Ideen der Konkreten Kunst und Zero korrespondiert. Er suchte im Experiment den „Nullpunkt“ der Bildgestaltung zu erreichen. Aus ersten von Strukturen und Kontrasten sowie Licht- und Schattenverläufen bestimmten Aufnahmen entwickelte er kameralose und autonome Bilder mittels Fotocollage, Fotogramm, Negativbearbeitung oder fotochemischer Verfahren.

Franziska Schmidt ist Kunsthistorikerin und Kuratorin für die Fotokunst der Moderne. Von 2000 bis 2001 war sie Stipendiatin im Programm Museumskuratoren für Fotografie der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, Essen. Sie war Mitarbeiterin an der Fotografischen Sammlung der Staatlichen Galerie Moritzburg, Hall/Saale; Leiterin der Galerie Berinson, Berlin; Geschäftsführerin und künstlerische Leiterin vom Museum für Photographie, Braunschweig und Leiterin der Abteilung Fotografie bei Grisebach Auktionen, Berlin. Seit 2017 arbeitet sie freiberuflich, zuletzt ist sie durch Ausstellungen über die KünstlerInnen Helga Paris, Gabriele Stötzer und Michael Ruetz hervorgetreten.

Eintritt frei. Wir bitten um Voranmeldung unter: info@aestiftung.de

Kilian Breier begann in den frühen 1950er Jahren mit der Kamera das grafische Potential des Sichtbaren zu erforschen. In zunehmend systematischeren Bildreihen und bald auch manipulativen Eingriffen zeigte er auf, wie im Zusammenspiel von Licht und Naturform strukturelle Gegebenheiten fotografisch isoliert und auf ihre bildhaften Qualitäten befragt werden können. Angeregt durch die Grundlehre von Oskar Holweck ging Breier dann rasch dazu über, solche Strukturen selbst gezielt experimentell zu erzeugen, indem er das Licht als zeichengebendes Mittel in der Dunkelkammer einsetzte, oft auch ohne Verwendung von Objekten. Mit den so geschaffenen Fotogrammen und Luminogrammen kam er Anfang der 1960er Jahre in den Umkreis der Zero-Bewegung und später zur Generativen Fotografie von Gottfried Jäger. Der Vortrag zeichnet die Entwicklung Breiers von seiner Suche nach dem gestalterischen Potential des Naturlichtes bis zur planmäßig künstlerischen Einwirkung von Licht auf fotografische und fotochemische Materialien zur Bilderzeugung nach und rückt sein Werk in den Kontext der Kunst seiner Zeit.

Dr. Thilo Koenig, geb. 1955 in Braunschweig. Kunsthistoriker, freier Autor. Publikationen und Ausstellungen zur Fotografiegeschichte. 1993-2011 Dozent an der Zürcher Hochschule der Künste, 2012-2018 Lehrbeauftragter an der Universität Zürich.

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Rudolf Finsterwalder beschäftigt sich in seinem Buch Form Follows Nature mit dem riesigen Kosmos der Natur und ihre Bedeutung für das menschliche Schaffen in verschiedenen Disziplinen.

Der Architekt und Ingenieur Frei Otto hat sich intensiv mit der Natur und ihren Gesetzmäßigkeiten auseinandergesetzt. Sehr unterschiedliche Dinge wie Muscheln und Schalen, aber auch Phänomene wie Selbstformfindungsprozesse bei Seifenblasen waren für ihn und sein Institut Gegenstand der Forschung. Optimierungen im Wachstum, wie zum Beispiel im Inneren eines Knochens, dienten als Lehrstücke für Ingenieurskonstruktionen und nachhaltiges Bauen.

Ein sehr unmittelbares Lernen aus der Natur ist die Bionik, bei der etwas direkt aus der Natur in Technik umgesetzt wird. Ein bekanntes Beispiel ist der Klettverschluss oder die Haifischhaut, deren Prinzip für Schwimmanzüge angewendet wird. Auch in der Welt der Kunst spielt oftmals die Natur eine große Rolle. Moderne Künstler wie z. B. Carsten Nicolai machen Naturphänomene sichtbar. In seiner Arbeit Milch wird ein Becken voll Milch mit verschiedenen Frequenzen beschallt. Die Fotos der unterschiedlichen Bilder visualisieren den Ton auf sehr plastische Weise.

Der Vortrag wird einige Facetten des Buchs Form Follows Nature anhand beeindruckender Bilder aus dem Archiv von Frei Otto, Carsten Nicolai, FinsterwalderArchitekten und anderen zeigen und zur Auseinandersetzung damit einladen.

Rudolf Finsterwalder ist Künstler & Architekt, wurde 1966 in Rosenheim geboren und lebt und arbeitet in Stephanskirchen und in Berlin.  Er hat in renommierten Architekturbüros in Berlin, Porto, Rom und Salzburg gearbeitet. Seit 2000 arbeitet er selbständig als Künstler & Architekt. Schwerpunkt ist die Auseinandersetzung mit Formen und Strukturen der Natur. Er ist Herausgeber des Buches Form Follows Nature, mit Beiträgen von Frei Otto, Carsten Nicolai u. a., sowie zahlreicher anderer Publikationen. Finsterwalder erhielt zahlreiche Preise, unter anderem 2014 den Fritz Höger Preis (zusammen mit Álvaro Siza), 2007 den Rom-Preis (Villa Massimo), 2009 den brick-award, Sonderpreis zusammen mit Álvaro Siza, und nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, u.a. “Forms follows Nature”, AUT_Innsbruck, “White Cube, Green Maze”, Carnegie Museum Pittsburgh, USA, Gropius-Bau Berlin (2008), 11. Architekturbiennale Venedig (2010), Museum Ludwig (2008), AIA New York (2005), Insel Hombroich (2005), 9. Architekturbiennale Venedig (2004)

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Kilian Breier (1931-2011) gehört zu den bedeutendsten experimentellen deutschen Fotokünstlern der Nachkriegszeit. Franziska Schmidt geht in ihrer Führung auf ihre beispielhafte Auswahl von Breiers Werken ein, die den Prozess seines Schaffens von der gegenständlichen Form bis hin zur Abstraktion aufzeigen. Die ausgewählten Arbeiten ermöglichen einen Einblick in die faszinierende Bildwelt des Fotokünstlers, welche dieser ausgehend von Naturmaterialien wie Pflanzen oder Bäumen in den 1950er bis 1980er Jahren entwickelt hat. Breier war Professor für Fotografie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Sein Werk ist von einem innovativen Umgang mit der Fotografie gekennzeichnet, der mit den Ideen der Konkreten Kunst und Zero korrespondiert. Er suchte im Experiment den „Nullpunkt“ der Bildgestaltung zu erreichen. Aus ersten von Strukturen und Kontrasten sowie Licht- und Schattenverläufen bestimmten Aufnahmen entwickelte er kameralose und autonome Bilder mittels Fotocollage, Fotogramm, Negativbearbeitung oder fotochemischer Verfahren.

Franziska Schmidt ist Kunsthistorikerin und Kuratorin für die Fotokunst der Moderne. Von 2000 bis 2001 war sie Stipendiatin im Programm Museumskuratoren für Fotografie der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, Essen. Sie war Mitarbeiterin an der Fotografischen Sammlung der Staatlichen Galerie Moritzburg, Hall/Saale; Leiterin der Galerie Berinson, Berlin; Geschäftsführerin und künstlerische Leiterin vom Museum für Photographie, Braunschweig und Leiterin der Abteilung Fotografie bei Grisebach Auktionen, Berlin. Seit 2017 arbeitet sie freiberuflich, zuletzt ist sie durch Ausstellungen über die KünstlerInnen Helga Paris, Gabriele Stötzer und Michael Ruetz hervorgetreten.

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Kilian Breier (1931-2011) gehört zu den bedeutendsten experimentellen deutschen Fotokünstlern der Nachkriegszeit. Franziska Schmidt geht in ihrer Führung auf ihre beispielhafte Auswahl von Breiers Werken ein, die den Prozess seines Schaffens von der gegenständlichen Form bis hin zur Abstraktion aufzeigen. Die ausgewählten Arbeiten ermöglichen einen Einblick in die faszinierende Bildwelt des Fotokünstlers, welche dieser ausgehend von Naturmaterialien wie Pflanzen oder Bäumen in den 1950er bis 1980er Jahren entwickelt hat. Breier war Professor für Fotografie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Sein Werk ist von einem innovativen Umgang mit der Fotografie gekennzeichnet, der mit den Ideen der Konkreten Kunst und Zero korrespondiert. Er suchte im Experiment den „Nullpunkt“ der Bildgestaltung zu erreichen. Aus ersten von Strukturen und Kontrasten sowie Licht- und Schattenverläufen bestimmten Aufnahmen entwickelte er kameralose und autonome Bilder mittels Fotocollage, Fotogramm, Negativbearbeitung oder fotochemischer Verfahren.

Franziska Schmidt ist Kunsthistorikerin und Kuratorin für die Fotokunst der Moderne. Von 2000 bis 2001 war sie Stipendiatin im Programm Museumskuratoren für Fotografie der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, Essen. Sie war Mitarbeiterin an der Fotografischen Sammlung der Staatlichen Galerie Moritzburg, Hall/Saale; Leiterin der Galerie Berinson, Berlin; Geschäftsführerin und künstlerische Leiterin vom Museum für Photographie, Braunschweig und Leiterin der Abteilung Fotografie bei Grisebach Auktionen, Berlin. Seit 2017 arbeitet sie freiberuflich, zuletzt ist sie durch Ausstellungen über die KünstlerInnen Helga Paris, Gabriele Stötzer und Michael Ruetz hervorgetreten.

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